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CETTE SECTION EST RÉSERVÉE À L'INFORMATION SUR LES ANTIQUITÉS, LES GRANDES MARQUES, LES ÉPOQUES.

DÉFINITION ET HISTORIQUE.

Le Magnifique Flow Blue

Posté le 30/03/2019

À la fin du XVIIIe siècle, la porcelaine chinoise peinte à la main, blanche et bleu était très prisé. Toutefois, elle était dispendieuse et accessible seulement aux plus riches.

Vers les années 1820 dans le Staffordshire, apparaît alors le ‘flow blue’, une technique de transfert d’image sur la céramique (et non la porcelaine) dont les dessins était bleu cobalt sur fond blanc pour imiter la porcelaine chinoise, mais à un coût beaucoup plus abordable.  Les principales compagnies qui produisaient le ‘flow blue’ incluaient Royal Doulton, Wedgwood, Minton, et Johnson Brothers. Le principal marché était les États-Unis.

La particularité est l’effet flou des images comme si la couleur avait coulé lors de la fabrication ce qui est le cas.  La couleur bleue est produite à partir d’oxyde de cobalt. La technique de transfert (dont l’invention remonte à la fin des années 1700) consiste à créer un motif sur une plaque de cuivre ou métal et chauffé sur laquelle est appliquée l’oxyde de cobalt. Le dessin est transféré sur un tissu et appliqué sur la céramique. Finalement, la pièce de tissu disparaît lors de la cuisson.

La technique était utilisée pour faire des ensembles de vaisselle, des ensembles de toilettes, des théières, et même des bols pour les chiens.

L’origine de la technique de ‘flow blue’ est un peu nébuleuse. Certains avancent que l’origine de ces pièces aurait une origine accidentelle permettant à l’oxyde de cobalt de couler hors des lignes du dessin.

D’autres sources avancent que la diffusion du bleu était intentionnelle afin d’adoucir les dessins.

Selon the ‘Flow Blue International Collectors Club’ site internet, la fabrication de ces pièces était voulu afin d’utiliser moins d’oxyde de cobalt, produit qui était dispendieux tout en produisant la magnifique couleur bleu si populaire.

Que l’origine soit accidentelle ou non, le produit fini est une magnifique pièce qui a été produite par la suite à l’aide de jus de citron ou d’ammoniac ajouter lors du vernissage.

Il y avait quatre styles de dessin de base dans le monde du ‘flow blue’.

1-      Romantique incluant des arbres, des animaux, des scènes de nature, de petites villes.

2-      Orientale qui se voulait refléter le style asiatique incluant des temples, pagodes, des scènes de l’Asie comme les montagnes, jardins ou personnes habillées de linge de style chinois. Ce style est un des plus collectionnable.

3-      Floral incluant les fleurs, feuilles et vigne.

4-      ‘Brush-stroke’ traduit littéralement par coup de pinceau et avait un lustre rosé ou de cuivre et pouvait utiliser d’autres couleurs que le blanc et bleu.

En conclusion, que l’apparition du ‘flow blue’ soit dû à une erreur ou de façon délibérée, le produit fini est magnifique et se démarque par son originalité. Plus le bleu et intense et foncé, plus la pièce est de qualité.

Sources et pour en savoir plus :

Wikipedia

https://hobbylark.com/collecting/FlowBlueHowtoIDandValuetheCollectibleBlueandWhiteAntiqueChina

https://www.thesprucecrafts.com/an-introduction-to-flow-blue-3572626

https://www.passionforthepastantiques.com/articles/item/article/top-10-most-desirable-flow-blue-patterns-in-all-four-major-categories/

https://www.passionforthepastantiques.com/media/transferring-to-flow-blue/

https://www.passionforthepastantiques.com/media/transferring-to-flow-blue-part-ii/

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THÉ OU CAFÉ ? ET POURQUOI PAS UN BON CHOCOLAT CHAUD!

Posté le 15/02/2019

Quel que soit notre boisson préférée, thé, café ou chocolat chaud, nous la prenons dans un bol ou un ‘’mug’’ ou pourquoi pas un bol comme pour le café au lait.  Toutefois, il existe aussi des verseuses afin d’accommoder une ou plusieurs personnes lors d’un bon repas ou lors d’une pause d’après-midi ou d’un retour après avoir joué dans la neige.

Chaque boisson est servie dans une serveuse spécifique fabriquée pour offrir l’expérience la plus satisfaisante au niveau du goût, chaleur ou réconfort.

Avant le XVIIe siècle, il n’y avait qu’un style de verseuse pour tous les liquides chauds. Il faudra attendre la seconde partie du règne de Louis XIV avant de voir apparaître des verseuses différentes pour le thé et le café.

Alors qu’elle verseuse utilisée pour chacune des boissons?  Voici la description de chacune.

LA THÉIERE

Dans les débuts, la théière était petite car elle ne servait que pour servir l’eau chaude sur les feuilles de thé déjà dans les tasses. Elle commence déjà à être fabriquée avec une forme plus ovoïde et ventrue.

Ce n’est que lorsque les gens commenceront à mettre les feuilles de thé directement dans la théière que cette dernière deviendra un peu plus grosse et apparaîtra la passoire. Sa forme plus sphérique et trapue sera utilisée à partir des années 1720.

LA CAFETIÈRE

La naissance de la cafetière date aussi de la fin du XVIIe siècle. À fond plat, elles ont un bec verseur situé plus haut que pour la théière afin que le marc du café demeure dans le fond et non dans les tasses.

LA CHOCOLATIÈRE

La chocolatière a une forme qui ressemble à celle de la cafetière. Elle est assez haute et plus étroite. La seule différence est la présence d’un orifice sur le couvercle afin de pouvoir introduire un genre de moulinet permettant de brasser le lait avec le chocolat.  Il y a aussi des chocolatières qui ont un manche droit sur le côté. 

Les ensembles provenant des pays germaniques ou d’Europe de l’Est n’ont pas de moulinet et de bras de côté, mais elles sont très étroites et sont souvent accompagnées d’un ensemble de tasses. 

Le thé, café et chocolat était principalement consommé par l’aristocratie. Ainsi, les verseuses étaient souvent en argent, en porcelaine fine ou en faïence.

ET IL NE FAUT PAS OUBLIER…..

Eh oui ! Il ne faut pas oublier que dans les verseuses,  il y a aussi la tisanière.  Apparue plus tardivement, les premières tisanières font leur arrivée dans les maisons davantage au XIXe siècle et sont composé de deux pièces composées principalement de porcelaine fine ou de faïence.

Les deux sections comprennent la verseuse et un godet ouvert dans le haut et les côtés ou par la présence de petits orifices dans lequel était placée une petite chandelle pour tenir la tisane au chaud.  Le terme veilleuse est aussi utilisé pour ce genre de tisanière.

Ainsi, quel que soit votre boisson chaude préférée chacun trouvera la verseuse qui fera son bonheur.

https://arts.savoir.fr/arts-de-la-table-les-verseuses/

Photo dans l'ordre de gauche à droite: La première vous trouverez la théière et la cafétière en vente à notre boutique ainsi que la thétière en haut de page.

La deuxième et troisième sont des chocolatière. Non disponible en magasin.

La troisième est une ancienne tisanière. Non disponible en magasin.

théière et cafetièrethéière et cafetière

chocolatièrechocolatière

chocolatièrechocolatière

tisanièretisanière

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L’heure du thé : l’origine de la tasse

Posté le 23/07/2018

La tasse pour boire le thé a une longue histoire.  Avec anse ou non, en forme de petit bol ou d’une grande élégance, en porcelaine, verre ou céramique, la tasse pour le thé voit le jour en Chine voilà plus de 2000 ans.  En effet, le thé  a été découvert durant l’ère de la dynastie chinoise Han (206 à 220 avant JC).  Le thé a fait son apparition au Japon vers 805 après JC et il arrivera en Europe avec la Compagnie des Indes dans les années 1660’.

Le besoin d’avoir un contenant pour le boire a donc mené à la création des tasses et par la suite, des ensembles à thé.

Les premières tasses ressemblaient davantage à des petits bols sans anse, car les Chinois buvaient leur thé tiède et pouvaient tenir le contenant entre leurs mains.  L’anse a été inventée en Europe par un Allemand du nom de Johann Friedrich Bottger en l’an 1707. Pourquoi inventer cet ajout à la tasse?   En raison du fait que les européens et particulièrement les Anglais, aimaient leur thé chaud. Ils ne pouvaient donc pas tenir leur tasse comme le faisaient les Chinois ou Japonais.

La tasse pour le thé est souvent plus large et courte que les tasses pur le café et plus grosse pour le thé du matin que celui de l’après-midi.  En Chine, le contenant pour boire le thé est  petit et sans anse.  Pour ce qui est de la Russie et les pays de l’Asie de l’ouest qui ont été influencés par l’empire Ottoman, la tasse est de verre inséré dans un contenant de métal avec une anse.

En Europe, les tasses à thé étaient accompagnées d’une soucoupe ou un trio incluant une petite assiette à dessert ou sandwich. 

Les meilleures tasses sont faites de porcelaine translucide et décorées de divers motifs et étaient incluses dans une service à dîner.  Certaines des plus belles tasses ou ensemble à thé en porcelaine proviennent de la Chine et du Japon étant donné leur longue expérience dans la production de la porcelaine. Le Japon a d’ailleurs utilisé la lithophanie pour fabriquer  certaines tasses incluant la tête d’une geisha dans le fond de la tasse soit par des effets gradués de transparence.

Au tournant du 20ème siècle, la mode était de servir le thé à partir d’un ensemble à thé anglais incluant la théière, le pot à sucre, le crémier,les tasses et les assiettes à sandwich.  Après la Deuxième Guerre mondiale, la popularité des tasses seules accompagnées de son assiette a pris de l’ampleur d’où la production grandissante de tasse à thé et assiette plus élégante dédiée à des occasions spéciales, en souvenir ou cadeaux.

Aujourd’hui, les tasses à thé de porcelaines font le bonheur de collectionneur et des buveurs de thé spécialement à l’occasion du thé de 4 heures si réputées en Angleterre.

https://en.wikipedia.org/wiki/Teacup

http://www.pressrepublican.com/news/lifestyles/tea-cups-steeped-in-rich-history/article_d35b8d14-d3bb-5898-8972-0267b47afadb.htmlhttps://teaperspective.com/origins-porcelain-tea-sets/

SAUF POUR LA TASSE ''TÊTE DE GEISHA'', LES AUTRES TASSES SONT EN MAGASIN

 

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L a Magie de la Caméra

Posté le 28/05/2018

L’appareil photo ou communément appelé caméra a une histoire des plus fascinantes.  La première version s’appelait ‘’caméra obscura’’  découlant du latin ‘’chambre noire’’.  Cette dernière était davantage un outil d’optique qu’une caméra comme nous la connaissons aujourd’hui et consistait davantage à la présentation d’une image sur une surface comme un mur.  Le principe est déjà décrit par un philosophe chinois, Mozi,  470 à 381 avant notre ère.  La ‘’camera obscura’’ commence à être utilisée pour aider la production de dessin sur une surface dans les années 1650 et consistait en une pièce pouvant contenir une ou deux personnes. La technique de transfert sur papier ou support n’existait pas encore.

La première image qui a été fixée sur un support de métal remonte à 1816, mais les photos disparaissaient avec l’exposition à la lumière. Une seule a survécue au temps.

En 1839, Phillip Daguerre invente le daguerréotype qui consiste en un transfert de l’image sur une pièce de métal plaqué argent. Toutefois, le sujet devait prendre la pause 20 minutes pour laisser le temps à l’image d’être transféré sur la plaque.

1840 voit la venu d’une technique qui  ne demande une pause du sujet de seulement 90 secondes grâce à  Alexander S. Wolcott et 1850 amène l’invention de l’obturateur.

L’utilisation de film photographique est créée par George Eastman qui en commença la production en 1885 et remplacé par le film cellulose en 1888-1889.  Sa première caméra portait le nom de Kodak et fut mis sur le marché en 1888 et consistait en une simple boîte avec un focus fixe et de la pellicule pour 100 photos. Toutefois, les propriétaires devaient retourner l’appareil à la compagnie pour faire développer les photos.

En 1900, Eastman lance le Brownie qui coûtait alors $10.00 et était relativement abordable.  Le Brownie a été très populaire et a été produit en divers modèles jusque dans les années 1960’.

Le 35 mm est apparu pour sa part en 1941 avec l’arrivé du Leica qui sera commercialisé à partir de 1925.

1928 voit apparaître le Rolleiflex avec ses deux objectifs. Il était l’appareil photos des reporters.

1948 voit la venu du Polaroid en finalement, Nikon arrive sur le marché en 1959

Et aujourd’hui, les appareils photo sont numériques et de plus en plus sophistiqués. Tout cela sans parler de la prise de photo maintenant disponible avec les tablettes et téléphones intelligent.

http://photodoto.com/camera-history-timeline/   (provenance des photos)

https://en.wikipedia.org/wiki/History_of_the_camera

https://www.photography-basics.com/history-of-the-camera/

https://www.thoughtco.com/history-of-photography-and-the-camera-1992331

camera obscuracamera obscura

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Le meuble québécois

Posté le 30/04/2018

La province ayant plus de 400 ans, il est naturel qu’un style de mobilier propre au Québec se soit développé au cours des siècles.  Le style québécois des débuts de la colonisation s’inspirait largement des styles de mobiliers français des années 1700’ jusqu’au milieu des années 1800 importé par la bourgeoiserie. Toutefois, à mesure que la colonie se développait, les goûts locaux ont pris davantage de place dont le motif en pointe-de-diamant qui a perduré durant presque un siècle.

Les essences de bois typique au Québec et non présent en France ont aussi joué un grand rôle dans l’ameublement de l’époque.  Ainsi, le pin qui était facile à travailler a été utilisé abondamment dans la fabrication des armoires et des coffres.

Les colons du 17ème siècle utilisant abondamment les coffres en bois pour amener leurs biens ont rendu célèbres ces derniers qui étaient robustes tout en étant stylisés.

Le sapin, l’érable et le chêne étaient trois autres essences d’arbre utilisés pour les meubles qui étaient très appréciés à travers l’Amérique du Nord.

Le mobilier était simple, robuste et utiles. Le mobilier confectionné dans la colonie est essentiellement domestique et se faisait à la pièce et sur commande. 

Malheureusement, plusieurs de ces meubles ont disparu soit dans des incendies ou se retrouvent dans des collections privées jusqu’en Ontario et les États-Unis.

Dès 1760, l’influence anglaise se fait sentir suite à la conquête de la Nouvelle-France par l’Angleterre et, par la suite, l’influence des États-unis à partir de 1780.

Au début du 19è siècle, la production à petite échelle commence dans de petits ateliers de plus de cinq employés, mais le mobilier est toujours fabriqué manuellement.

L’essor de la production commerciale du 19è début 20è créé l’apparition de trois principale manufacture de meubles. Celle de William Drum qui ouvre en 1832 à Québec, celle de Philippe Vallière qui se spécialise dans le meuble fin et de grand prix et situé à Saint=Vallier, Québec et François Gourdeau qui est meublier-bourreur située à Québec.

https://www.museedelhistoire.ca/harbinson/category/meubles-du-quebec/

http://www.ameriquefrancaise.org/fr/article-113/M%C3%A9tier_d%E2%80%99%C3%A9b%C3%A9niste_au_Qu%C3%A9bec.html#.WqREF-jOXIU

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Le style industriel ou le mobilier d’atelier

Posté le 15/04/2018

Le style industriel dans le mobilier et la décoration date du grand boum de l’industrialisation soit de la fin du XIXème siècle au début des années 50’. Toutefois, c’est avec les années 70’ et la transformation en loft d’anciennes usines que le style industriel a vraiment pris naissance.

Style présentant du mobilier de bois, cuir et métal et de conception robuste et épurée sans décoration, il était conçu pour être solide, fonctionnel, pratique et avec une longue durée de vie. Ils étaient fabriqués en usine et en grande quantité.

Les couleurs par contre sont ternes soit du noir, gris, kaki, rouille, rouge brique, blanc ou beige.

Le style est idéal pour les grandes pièces hautes de plafond avec une belle fenestration.

Parmi les meubles, il est à noter les anciens bureaux de métal, les tables basses, les tabourets, les casiers à multiples tiroirs. Pour les lampes, ces dernières sont le plus souvent en métal d’allure industrielle ou scolaire, suspendues avec l’ampoule dénudée ou non ou des ‘’goose lamp’’ soit des lampes de tables sur avec tige de métal avant la lumière ou pliable.

http://www.muramur.ca/inspiration/decoration/style-deco-industriel-1.2427111

https://lapiece.ca/en/magazine/5a1f1a01a0ff9e3c376a683e

 

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Période Art Déco

Posté le 09/04/2018

La période dite Art Déco est un style d’art visuel qui est apparu en France après la Première Guerre mondiale soit après 1918. Le style s’est développé par la suite dans les années 20’, 30’ et 40’ pour s’éteindre avec la deuxième Guerre Mondiale.  Le nom Art Déco vient de l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et industriels Mondernes qui a eu lieu en 1925 à Paris.

Le style est éclectique et souvent caractérisé par ses formes géométriques et ses ornementations luxueuses.  Le style Art Deco représentait le luxe, l’exubérance et la foi dans le progrès social et technologique moderne.  Les  matériaux utilisés pour l’aspect luxueux étaient l’argent, le cristal, l’ivoire, le jade et les pièces laquées.  Après la grande dépression, des matériaux plus abordables sont alors utilisés comme le chrome et le plastique.  C’est la période du cubisme, du modernisme et du futuriste.  

Les idées de décoration venaient des Aborigènes américain, égyptien, de source classique et de la nature.  Les motifs caractéristiques de l’époque incluaient les nues, animaux, feuillage, rayon de soleil dans leur formes conventionelles.

Un des plus beaux exemples de la période Art Déco est l’Empire State Building à New York.

Wikipédia

 

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Les Fabuleux Œufs de Pâques Fabergé

Posté le 23/03/2018

oeuf Fabergéoeuf FabergéPierre-Karl Fabergé,  dont le père fonde la Maison Fabergé en 1842 à Saint-Péterbourgh alors capital de la Russie est le créateur des magnifiques œufs de Pâques Fabergé. Un seul de ces œuf est évalué à plusieurs millions de dollard. 

‘’Les oeufs sont faits de métaux précieux ou de pierres dures décorées avec des combinaisons d’émail et de pierres précieuses.

Le terme ‘’œuf de Fabergé’’ est devenu synonyme de luxe et les oeurs sont considérés comme des chefs-d’œuvre de la joaillerie.  Les oeurs de Pâques Pierre-Karl Fabergé impériaux sont considérés comme la dernière grande série de commissions pour objets d’art.’’*

L’histoire commence lorsque avec le tsar Alexandre III qui décide d’offrir à son épouse un œuf de Pâques en 1885. Ce premier cadeau est un œuf en or. Sa coquille blanche émaillé s’ouvre et révèle une première surprise, un jaune d’œuf en or mat et ce jaune contient une petite poule également en or.  Finalement, cette poule contient une réplique en diamant de la courrone impériale avec une petit pendentif en rubis. 

Son  épouse est tellement enchanté par cet œuf que Fabergé est nommé orfèvre à la couronne impériale. Ce premier œuf instaurera une tradition soit un œuf différent renfermant une surprise rappelant l’histoire de la famille impériale à toutes les fêtes de Pâques.  Fabergé créera un œuf par années, sauf en 1904 et 1905, jusqu’à la révolution bolchévik en 1917 avec la disparition de la famille impériale et la fuite de Fabergé en Suisse.

En tout, 54 œufs impériaux ont été créés ainsi que 17 autres commandés par des clients très fortunés dont les Rothschild.

En 2007, l’arrière-petite-fille de Pierre-Karl Fabergé, Tatiana, vend le nom Fabergé. 2010 voit l’ouverture de la première boutique Fabergé depuis 1915, à Genève en Suisse, et crée des objets de hautre joaillerie.

*https://fr.wikipedia.org/wiki/%C5%92uf_de_Faberg%C3%A9

https://www.vivalatina.fr/blogs/blog-bijoux-argent/prix-des-oeuf-de-faberge

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Le Style Edouardien

Posté le 18/03/2018

style Edouardienstyle EdouardienPériode s’échelonnant de 1901 à 1910, la période Edouardienne correspond au règne du roi Edouard qui succédait à la reine Victoria. Son arrivée au pouvoir amènera aussi un changement dans le style des meubles et du décor intérieur complètement différent de l’ère Victorienne avec ses meubles plus foncés et chargés de décoration.  C’est la période qui mènera aux meubles modernes.  Une période arborant plus de couleur, des meubles au bois plus clair et des intérieurs plus joviaux.

Le style des meubles est plus éclectique, mélangeant divers style baroque, rococo, empire avec la prédominance de ligne simple, légere et plus aérienne.  L’osier et le bambou sont à l’honneur et les tissus de recouvrement sont dans les teintes pastel tel le lilas, bleu, jaune et gris avec des motifs floraux, plus féminins.

C’est la période de l’Art Nouveau et de Arts & Crafts.

L’Art Nouveau prend sa source en France avant de s’étendre au reste de l’Europe et en Amérique et l’origine de l’appellation vient de la Galerie Maison Art Nouveau à Paris ouverte en 1895.  Les meubles sont principalement faits de noyer, de chêne ou de tek. Ce style est reconnaissable à son apparence longiligne, sinueux, utilisant les courbes avec une influence japonaise.  Ces meubles étaient très dispendieux en raison des difficultés à créer à la main les courbes dans des bois durs.

Le mouvement Arts&Crafts est originaire des Iles Britannique et apparaît vers 1881. Il s’étendra aussi à toute l’Europe et l’Amérique de même qu’au Japon sous le nom de Mouvement Mingei dans les années ’20.  Ce mouvement soutient davantage l’artisanat traditionnel avec ses formes simples,  utilisant souvent le style médiéval, romantique ou populaire dans les décorations.  Ce mouvement était essentiellement anti industriel.

Wikipedia

https://study.com/academy/lesson/art-nouveau-furniture-history-characteristics.html

http://www.victorian-era.org/edwardian-era-interiors.html

http://www.interiordezine.com/styles-and-periods/edwardian/ 

style Edouardienstyle Edouardien

Art NouveauArt Nouveau

Art NouveauArt Nouveau

ARts & CraftsARts & Crafts

ARts & CraftsARts & Crafts

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Le Style Géorgien

Posté le 12/03/2018

L’époque Géorgienne correspond aux règnes des divers rois George d’ Angleterre de 1714 à 1820.  Le règne de Guillaume IV, de 1830 à 1837 peut aussi être inclus dans cette période et elle prépare l’ère Victorienne et la naissance de l’Empire britannique.

C’est la période de l’aspect confortable et pratique du meuble plutôt que l’aspect esthétique et décoratif. L’acajou est le bois privilégié à cette époque et les extrémités de pied des meubles sont  souvent en forme de club ou de coussinet typique du style Queen Anne, ou en forme de griffe enserrant une boule.  Le style des plus gros meubles comme les bibliothèques, ont un style classique avec des frontons où les côtés s’enroulent et encadrent un buste ou une statue. Le lattis ou treillis encadrent les vitres des portes.

C’est l’époque des commodes secrétaires à dos d’âne, le secrétaire bibliothèque, le bureau bibliothèque sur pattes, les commodes deux  quarts avec une commode à tiroirs dans le bas et un chiffonnier  dans la partie supérieure, etc.

Sous George II, le style Chippendale fait son apparition et s’inspire du gothique, des motifs chinois et de la rocaille française*

 

TABLEAU DE LA PÉRIODE GEORGIENNES **

1702-1730

(début XVIIIe)

Style Queen Ann(Reine Anne)

Reine Anne (1707-1714)

Avec le style Reine Anne, l'influence hollandaise devient plus marquée. Les structures en courbes remplacent celles en bois tourné. Bien que contemporain au style français de la Régence, le décor reste encore sobre avec juste quelques bronzes utilitaires.

Le très caractéristique pied "cabriole" en S à fort ressaut se termine en club ou en coussinet. Le style Queen Anne est l'âge du noyer.

715-1735

Style early Georgian

- style William Kent (1720-1760)

Dynastie de Hanovre

George 1er (1714-1727)

L'acajou devient rapidement le bois de prédilection du XVIIIe siècle. Durant la première moitié de ce siècle, les courbes et les décors deviennent légèrement plus prononcés. L'influence baroque ne se retrouve que dans le mobilier d'apparat de style William Kent. En effet, contrairement à la mode française de la rocaille, le style Early Georgian garde une forte influence classique palladienne.

Les piétements des meubles early Georgian se terminent principalement en forme de "claw and ball" (griffes serrant une boule).

1740-1770

(mi-XVIIIe)

Style Chippendale

Style George II

George II (1727-1760)

Sous George II, la fantaisie arrive avec le style Chippendale. Ce style s'inspire à la fois du gothique, des motifs chinois et de la rocaille française.

 

-1792

(fin XVIIIe)

Style Late Georgian

style Adam

style Hepplewhite

Style Sheraton

George III (1760-1820)

Robert Adam (1728-1792)

George Hepplewhite (1727-1786)

Thomas Sheraton (1785-1800)

Le néoclassicisme anglais, contemporain du Louis XVI français, prend forme grâce aux créations et publications des grands ébénistes anglais que sont Adam, Hepplewhite et Sheraton. Le style de ce dernier se rapproche plus du Directoire et de l'Empire avec des formes plus épurées.

1790-1830

(fin XVIIIe - début XIXe)

Style Regency

George IV (1820-1830, prince-régent dès 1811)

Le style Regency utilise largement le bois naturel et l'acajou. Ses formes plus lourdes offrent un style solennel, parfois monumental. On retrouve les ornements classiques ainsi que des formes comme le pied en sabre.

Ce style est la version anglaise du Consulat et du premier Empire français .

 

 

Wikipedia

* https://www.meubliz.com/style/style_anglais/

**https://www.meubliz.com/style/style_anglais/

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